O Studio Ghibli não é apenas um estúdio de animação; é um capítulo monumental na narrativa de conquistas cinematográficas. Cofundado em 1985 pelos visionários Hayao Miyazaki e Isao Takahata, o Ghibli cultivou um legado extraordinário, caracterizado por uma arte intrincada desenhada à mão, uma narrativa profundamente ressonante e uma profunda reverência pela natureza, pela infância e pelo espectro variado das emoções humanas.
Em um cenário em que muitos criadores de anime buscavam tendências passageiras e viabilidade comercial, a Ghibli optou por uma abordagem mais deliberada e duradoura. O estúdio abraçou a ideia de que o público, especialmente os mais jovens, pudesse se envolver com temas de tristeza, apreciar a beleza do silêncio e navegar pelas complexidades das incertezas da vida. Abaixo, destacamos algumas das obras mais icônicas do estúdio.
7 Castelo no Céu
Onde os sonhos voam entre as nuvens
Lançado em 1986, O Castelo no Céu marca o filme inaugural do Studio Ghibli, lançando as bases para a identidade artística do estúdio. Dirigido por Hayao Miyazaki, este filme não foi apenas uma introdução; foi uma proclamação da intenção criativa. Apresentando vistas aéreas expansivas e uma fantasia industrial, ele encapsula temas de inocência entrelaçados com a luta contra a opressão.
A narrativa centra-se em Pazu, um jovem mineiro, e Sheeta, uma menina que desce do céu, com a sua segurança ligada a um misterioso amuleto levitante. A aventura leva-os a Laputa, uma cidade flutuante mítica, considerada há muito tempo deserta, mas repleta de vida. O que inicialmente parece uma simples escapada de infância, transforma-se rapidamente numa análise multifacetada de sociedades perdidas, ambição imperial e avanço tecnológico desenfreado.
O mundo retratado em O Castelo no Céu combina elementos mecânicos e orgânicos perfeitamente, caracterizado por grandes dirigíveis e cidades movidas pelo vento em meio a vestígios verdejantes de civilizações outrora prósperas. Miyazaki inspirou-se em As Viagens de Gulliver e nas comunidades mineiras galesas que conheceu durante um período de agitação trabalhista, temas que ressoam claramente na representação cinematográfica de heróis da classe trabalhadora e da resistência contra a exploração sistêmica.
6 Nausicaa do Vale do Vento
A Última Esperança da Natureza com uma Arma e um Coração
Lançado em 1984, Nausicaä do Vale do Vento prenunciou o espírito do Studio Ghibli muito antes de sua fundação oficial. Embora tenha sido produzido pela Topcraft, seu sucesso monumental permitiu que Miyazaki e o produtor Toshio Suzuki fundassem o Studio Ghibli logo depois, tornando este filme um pilar fundamental de sua fundação criativa.
Em um cenário distópico envolto na “Selva Tóxica” — uma região selvagem mutante habitada por insetos colossais e esporos nocivos — a humanidade luta pela sobrevivência em enclaves dispersos, frequentemente provocando conflitos pela escassez de terras habitáveis. No centro dessa paisagem devastada está Nausicaa, a princesa de um vale tranquilo, que possui uma afinidade extraordinária pelos habitantes da selva.
O que torna Nausicaä inesquecivelmente impactante é sua abordagem matizada do ambientalismo, optando por não se ater a clichês facilmente assimiláveis. Nausicaä personifica o pacifismo aliado à resiliência; ela defende a paz enquanto se posiciona, seja empunhando um rifle ou navegando por céus tumultuados em seu planador. Este filme retrata com maestria a diplomacia como uma forma potente de resistência.
A narrativa, baseada no mangá homônimo de Miyazaki, aprofunda-se muito mais do que a duração de duas horas do filme permite, apresentando uma história complexa e sombria, rica em comentários políticos. No entanto, mesmo o longa-metragem de animação oferece um enredo notavelmente abrangente e satisfatório.
5 O Castelo Animado
Onde os corações encontram lar nos lugares mais improváveis
Em 2004, O Castelo Animado surgiu como um dos filmes visualmente mais impressionantes do Studio Ghibli, um feito difícil de ser alcançado entre seus concorrentes.
Esta adaptação, vagamente baseada no romance de Diana Wynne Jones, acompanha Sophie, uma jovem amaldiçoada com uma aparência envelhecida por uma bruxa rancorosa. Seu caminho a leva ao encantador castelo ambulante de Howl, um bruxo extravagante com um passado misterioso.
O que inicialmente é percebido como um conto de fadas fantasioso evolui para uma crítica convincente da guerra. O conflito implacável que se desenrola ao fundo é apresentado de forma crua — áspera, sem sentido e devastadora. Através de Howl, Miyazaki canaliza seu descontentamento com a atmosfera política durante a Guerra do Iraque, explorando temas como o militarismo e a importância de resistir a ele — mesmo quando essa resistência se manifesta no ato de cultivar relacionamentos pessoais.
A aclamação generalizada deste filme incluiu uma indicação ao Oscar de Melhor Filme de Animação, e ele foi premiado em diversos festivais internacionais pela Europa e Ásia. Na França, alcançou sucessos de bilheteria, superando até mesmo várias produções de destaque de Hollywood.
4 Princesa Mononoke
Os lobos nunca foram os vilões
Estreando em 1997, Princesa Mononoke catalisou uma era transformadora na cultura cinematográfica japonesa. Em seu lançamento, detinha o título de anime mais caro já produzido e se tornou o filme de maior bilheteria do Japão, até ser superado por Titanic.
Em meio a um cenário medieval onde a humanidade e a natureza estão em conflito, a narrativa se abstém de oferecer soluções simplistas. Ashitaka, um príncipe amaldiçoado por um ferimento mortal, busca a harmonia entre as forças em conflito, mas descobre que ambas as facções abrigam méritos e falhas. Lady Eboshi atua como uma industrial pioneira em vez de uma antagonista tradicional, enquanto a deusa-loba Moro personifica a ferocidade protetora, lutando pela sobrevivência de seu reino.
O que eleva Princesa Mononoke é a recusa em simplificar seus temas. Em vez de enquadrar a história como uma dicotomia, apresenta uma tapeçaria de complexidades: defesa ambiental entrelaçada com a sobrevivência existencial, tradição contra a modernidade e divindades lutando contra a mortalidade.
Enriquecido pela trilha sonora evocativa de Joe Hisaishi, o núcleo emocional do filme ressoa profundamente, especialmente em momentos pungentes com o cenário assustador da floresta. Mesmo décadas depois, continua sendo um marco nos currículos de estudos de cinema e humanidades ambientais.
3 O Menino e a Garça
A despedida distorcida de um menino pássaro
Lançado em 2023, “O Menino e a Garça” foi anunciado como o suposto último longa-metragem de Hayao Miyazaki. No entanto, este filme parece notavelmente diferente das alegações anteriores de aposentadoria. Com sete anos de criação investidos e envolto em segredo, ele cativa com sua ambição e profunda ressonância emocional, encapsulando a essência do Ghibli.
A narrativa explora Mahito, um menino que luta contra o luto após a morte de sua mãe durante a Segunda Guerra Mundial. Este filme entrelaça fantasia com temas autobiográficos, refletindo as próprias experiências formativas de Miyazaki e seus laços complexos com o Japão em tempos de guerra.
A animação é de tirar o fôlego, embora impregnada de melancolia. Uma tapeçaria de imagens assombrosas — incluindo pelicanos sangrando e periquitos imponentes — cria uma paisagem onírica que oscila entre o pesadelo e o devaneio. Em vez de fornecer respostas diretas, Miyazaki incentiva o público a refletir e processar as inúmeras sensações evocadas pelo filme.
Esta joia cinematográfica recebeu o Oscar de Melhor Filme de Animação em 2024, consolidando ainda mais a posição de Miyazaki como uma figura lendária na história da animação.
2 Túmulo dos Vagalumes
As Chamas Que Iluminam a Sombra Mais Escura da Guerra
O Túmulo dos Vagalumes (1988) transcende a fantasia; representa a oferta mais angustiante do Studio Ghibli — uma experiência que provavelmente deixará os espectadores em silêncio reflexivo muito tempo depois de assisti-lo.
Dirigido por Isao Takahata, este filme conta a trágica história dos irmãos Seita e Setsuko, que lutam para sobreviver em Kobe após a devastação causada pelos bombardeios americanos nos últimos dias da Segunda Guerra Mundial. Esta narrativa é desprovida de vilões, retratando as duras realidades da fome, do medo e de um mundo indiferente à situação das crianças.
A visão de Takahata é profundamente pessoal, inspirada em suas próprias memórias de infância e no conto semiautobiográfico de Akiyuki Nosaka. O estilo de animação é simples, mas o impacto emocional é impressionante. A morte de Setsuko se desenrola como um momento silencioso e comovente, retratado com ternura, contenção e um peso insuportável.
Inicialmente, o filme não obteve sucesso comercial, mas seu legado floresceu com o tempo. O renomado crítico Roger Ebert o aclamou como “um dos maiores filmes de guerra já feitos”, frequentemente mencionado em debates sobre o custo humano da guerra, tanto no Japão quanto no mundo.
É frequentemente exibido ao lado de Meu Vizinho Totoro, não por contraste, mas para justapor a coexistência de luz e sombra nas primeiras obras de Ghibli. Uma vez vivenciado, sua narrativa permanece eternamente.
1 A Viagem de Chihiro
A casa de banhos que limpou o mundo
A Viagem de Chihiro (2001) não é apenas o filme mais aclamado do Studio Ghibli, mas também é reverenciado como uma das maiores obras de animação da história do cinema.
A narrativa acompanha Chihiro, uma menina de dez anos desencantada que tropeça em uma casa de banhos mística operada por deuses e espíritos, onde seus pais são transformados em porcos. Para navegar por esse reino encantado e resgatar sua família, ela consegue um emprego sob a tutela de Yubaba, a formidável bruxa, aprendendo lições vitais sobre identidade, crescimento e a importância de lutar pelos próprios valores.
Visualmente, o filme é uma obra-prima, com cada quadro cuidadosamente trabalhado à mão, apresentando lanternas luminosas, divindades do rio mascaradas e espíritos brincalhões trabalhando em carvão. A casa de banhos serve como um ecossistema vibrante, repleto de personagens bizarros e emoções ocultas.
Em sua estreia, A Viagem de Chihiro quebrou recordes de bilheteria no Japão, superando Titanic e se tornando o filme de maior sucesso da história japonesa. Recebeu o Oscar de Melhor Animação em 2003, marcando a primeira vez que um filme desenhado à mão e em língua não inglesa recebeu este prêmio.
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