No vibrante universo dos animes, certos títulos surgem com narrativas cativantes, personagens que ressoam profundamente e universos repletos de criatividade. No entanto, apesar de sua promessa, algumas dessas obras falham visualmente, muitas vezes devido a fatores como cronogramas de produção limitados, limitações orçamentárias ou decisões criativas pouco convencionais. O resultado é uma série de histórias excepcionais que não atingem seu potencial máximo devido à qualidade inadequada da animação.
Esta discussão não pretende menosprezar esses títulos; em vez disso, visa destacar seu potencial inexplorado. Cada uma das séries mencionadas aqui ostenta uma narrativa que merece elogios. No entanto, um ponto em comum entre elas é a decepção decorrente da animação não se alinhar às suas aspirações narrativas.
Esses animes selecionados poderiam ter alcançado patamares maiores se suas apresentações visuais correspondessem à excelência de sua escrita.
6 Os Sete Pecados Capitais
Quando mudanças de estúdio quebram laços sagrados
Os Sete Pecados Capitais começou como uma adaptação envolvente do mangá de Nakaba Suzuki, narrando a jornada de Meliodas e seu bando de cavaleiros, injustamente acusados de traição contra o Reino de Liones. As duas temporadas iniciais, produzidas pela A-1 Pictures, apresentaram animações impressionantes que aprimoraram com sucesso a jornada heroica de Elizabeth para absolver os Pecados e salvar seu reino.
No entanto, uma mudança drástica ocorreu quando o Studio Deen assumiu a terceira temporada, intitulada “A Ira dos Deuses”.Os espectadores rapidamente notaram uma queda significativa na qualidade da animação, especialmente em cenas cruciais de batalha. O tão aguardado confronto entre Escanor e Meliodas não teve sucesso, manifestando-se como uma sequência marcada por quadros estáticos e coreografia sem graça.
O que amplifica essa decepção é a profundidade do material original, que se aprofunda em temas de redenção, sacrifício e o pesado fardo das transgressões passadas. O amor eterno de Ban por Elaine e as dificuldades de King com seus deveres no reino das fadas acrescentam camadas à narrativa. Meliodas, sobrecarregado pelo legado de ser descendente do Rei Demônio, anseia por quebrar um ciclo de reencarnação que levou às tragédias intermináveis de Elizabeth.
5 Reino
Um épico de guerra descarrilado por experimentos 3D
Enraizada na tumultuada história do período dos Reinos Combatentes da China, Kingdom conta a história da aspiração de um jovem rapaz de se tornar o maior general sob os céus. A série é rica em estratégia militar, traições e a discórdia filosófica entre senhores da guerra, cada um caracterizado por seu próprio senso de justiça único.
No entanto, após seu lançamento em 2012, os fãs foram pegos de surpresa pelo uso excessivo de animações CGI rígidas. As cenas de batalha essenciais, centrais para a série, foram retratadas com bonecos 3D sem vida, resultando em movimentos desconexos e falta de expressão. Isso prejudicou a experiência imersiva que a história prometia.
Felizmente, as temporadas subsequentes optaram pela animação 2D tradicional após a mudança de estúdio, o que permitiu que a série refletisse a vitalidade do material original. Inicialmente, Kingdom foi ofuscado por suas deficiências visuais, em vez de elogiado por seu brilhantismo estratégico.
4. Dororo
Uma reinicialização comovente que desapareceu quadro a quadro
Dororo é imerso em tristeza, acompanhando Hyakkimaru, um menino despojado de membros, visão e pele, enquanto ele atravessa um Japão devastado pela guerra, derrotando demônios para recuperar as partes perdidas do seu corpo. Em parceria com Dororo, um órfão inteligente, a série exala profundidade emocional — uma narrativa que explora identidade, vingança e o profundo custo de restaurar a humanidade.
Produzido pela MAPPA e pela Tezuka Productions em 2019, o reboot estreou com visuais impressionantes, especialmente na representação das batalhas de Hyakkimaru, apesar de suas limitações. No entanto, à medida que a temporada avançava, deficiências perceptíveis na animação começaram a surgir — desde cenas de luta fragmentadas a inconsistências no design dos personagens e enquadramentos problemáticos. Fundos estáticos e ângulos de câmera estranhos frequentemente mascaravam a falta de fluidez nos movimentos.
Isso foi particularmente desanimador, considerando a escrita excepcional de Dororo em termos de desenvolvimento de personagens, ritmo e narrativa moral, tudo adaptado do mangá original de Osamu Tezuka.À medida que a tensão em torno do confronto de Hyakkimaru com seu irmão Daigo se intensificava, a animação vacilava, resultando em um impacto emocional significativamente reduzido, semelhante a testemunhar uma obra-prima obscurecida por uma névoa.
3 One-Punch Man
Do nível divino para quase mediano
Em sua estreia em 2015, a primeira temporada de One-Punch Man transformou o cenário dos animes, apresentando sequências de ação de tirar o fôlego sob a direção do Studio Madhouse e do animador Shingo Natsume. O confronto icônico entre Saitama e Boros estabeleceu um marco para a animação de ação, onde cada golpe era impactante e merecido.
No entanto, a transição para a 2ª temporada marcou um declínio.
Com JC Staff no comando, o ritmo diminuiu, assim como a qualidade da animação. Os confrontos de Saitama foram relegados a palhaçadas fora de tela, envoltas em fumaça e efeitos de velocidade, impedindo a oportunidade de sequências completas. O que antes era energia cinética nas batalhas de Genos se transformou em efeitos básicos e quadros estáticos estranhos. A estética sofreu, com ângulos de câmera planos e cenários sem inspiração contribuindo para a redução geral da qualidade.
Além disso, esta segunda temporada coincidiu com o início do arco da Associação de Monstros, uma parte intensa do mangá que apresentou Garou — um anti-herói complexo movido por seu próprio senso de justiça distorcido. Em vez de proporcionar confrontos emocionantes, os fãs enfrentaram restrições orçamentárias, problemas de ritmo e coreografia limitada.
2 Inicial D
Quando as corridas se tornaram uma apresentação em PowerPoint
Initial D se destaca como uma presença monumental nos animes de corrida de rua, particularmente apreciados por entusiastas de carros e aficionados por Eurobeat. A série mescla com maestria a autenticidade da mecânica automotiva, a cultura do drifting e as corridas underground em uma experiência emocionante, centrada em Takumi Fujiwara — um entregador de tofu aparentemente comum, cuja destreza nas estradas do Monte Akina lhe rende um status lendário.
Apesar da narrativa fervorosa, a série teve dificuldades com a qualidade da animação, especialmente nas primeiras temporadas. Embora a animação dos personagens fosse aceitável, as sequências de corrida dependiam fortemente de CGI rudimentar. Os carros frequentemente pareciam desajeitados e sem vida, como se estivessem deslizando sobre uma superfície em vez de correndo.
Esse forte contraste entre a fluidez da animação de personagens em 2D e a falta de jeito dos modelos de carros em 3D interrompeu a imersão. Mesmo assim, os fãs permaneceram engajados — atraídos pela narrativa envolvente.
1 Berserk
Uma história lendária massacrada por CGI
Berserk, de Kentaro Miura, é universalmente reconhecido como um dos maiores mangás já criados, seguindo Guts — um mercenário às voltas com um passado manchado pela traição e um destino repleto de turbulências. Sua narrativa explora temas profundos como vingança, trauma e ambição, destacando a intrincada relação entre Guts e Griffith.
A adaptação para anime de 1997 recebeu elogios por sua representação fiel da saga trágica envolvendo o Bando do Falcão, apesar das restrições de recursos. No entanto, o lançamento da sequência em 2016 reacendeu a esperança de uma adaptação mais refinada, expectativas que acabaram frustradas.
Empregando uma abordagem híbrida e desconexa de CGI, a animação tornou os movimentos desajeitados e pouco convincentes, com distorções faciais e sequências de ação lentas. O infame incidente do “demônio cavalo” tornou-se uma referência cultural pelos motivos errados, enquanto até mesmo os momentos mais tranquilos sofreram com modelos de personagens robóticos e sincronização labial deficiente.
O que agravou essa tragédia foi a negligência da narrativa sutil de Miura, repleta de conflitos existenciais, dilemas morais e emoções cruas. Em vez disso, a produção pareceu precipitada e indiferente, levando a série a se tornar uma das decepções mais substanciais da história das adaptações para anime.
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