Studio Ghibli to nie tylko studio animacji; to monumentalny rozdział w historii osiągnięć kinematograficznych. Współzałożone w 1985 roku przez wizjonerów Hayao Miyazakiego i Isao Takahatę, Ghibli kultywuje niezwykłe dziedzictwo charakteryzujące się misternym kunsztem rysowania ręcznego, głęboko rezonującym opowiadaniem historii i głębokim szacunkiem dla natury, dzieciństwa i niuansów ludzkiego spektrum emocji.
W krajobrazie, w którym wielu twórców anime goniło za ulotnymi trendami i komercyjną opłacalnością, Ghibli zdecydowało się na bardziej przemyślane i trwałe podejście. Studio przyjęło ideę, że widzowie, zwłaszcza młodsi, mogliby zaangażować się w tematy smutku, docenić piękno ciszy i poruszać się po zawiłościach niepewności życia. Poniżej przedstawiamy niektóre z najbardziej kultowych dzieł studia.
7 Zamek w niebie
Gdzie marzenia szybują wśród chmur
Wydany w 1986 r.Castle in the Sky oznacza inauguracyjny film Studio Ghibli, kładąc podwaliny pod artystyczną tożsamość studia. Ten film wyreżyserowany przez Hayao Miyazaki nie był tylko wstępem; był proklamacją kreatywnych intencji. Dzięki rozległym widokom lotniczym i industrialnej fantazji ujmuje tematy niewinności przeplatające się z walką z uciskiem.
Fabuła koncentruje się na Pazu, młodym górniku, i Sheetze, dziewczynie, która zstępuje z nieba, a jej bezpieczeństwo jest związane z tajemniczym lewitującym amuletem. Ich przygoda prowadzi ich do Laputy, mitycznego latającego miasta, które uważano za dawno opuszczone, ale tętniące życiem. To, co początkowo wydaje się prostą dziecięcą eskapadą, wkrótce przeradza się w wielowarstwową analizę zaginionych społeczeństw, imperialnych ambicji i nieokiełznanego postępu technologicznego.
Świat przedstawiony w Castle in the Sky łączy elementy mechaniczne i organiczne w sposób płynny, charakteryzując się wielkimi sterowcami i napędzanymi wiatrem miastami pośród zielonych pozostałości niegdyś kwitnących cywilizacji. Miyazaki czerpał inspiracje z Podróży Guliwera i walijskich społeczności górniczych, które spotkał w okresie niepokojów pracowniczych, tematy, które wyraźnie rezonują poprzez filmowe przedstawienie bohaterów klasy robotniczej i oporu przeciwko systemowemu wyzyskowi.
6 Nausicaa z Doliny Wiatru
Ostatnia nadzieja natury z bronią i sercem
Wydany w 1984 roku film Nausicaa of the Valley of the Wind zapowiadał etos studia Ghibli na długo przed jego oficjalnym założeniem. Choć został wyprodukowany przez Topcraft, jego monumentalny sukces pozwolił Miyazakiemu i producentowi Toshio Suzuki założyć studio Ghibli wkrótce potem, czyniąc ten film kamieniem węgielnym jego kreatywnych fundamentów.
Na tle dystopijnego tła otulonego „Toksyczną Dżunglą” — zmutowaną dziczą zamieszkaną przez kolosalne owady i szkodliwe zarodniki — ludzkość walczy o przetrwanie w rozproszonych enklawach, często prowokując konflikty o skąpe nadające się do zamieszkania tereny. Centralną postacią tego zdewastowanego krajobrazu jest Nausicaa, księżniczka spokojnej doliny, która posiada niezwykłą sympatię do mieszkańców dżungli.
To, co czyni Nausicaę niezapomnianie wpływową, to jej niuanse w podejściu do ekologii, wybór nieprzylegania do łatwo przyswajalnych tropów. Nausicaa uosabia pacyfizm połączony z odpornością; opowiada się za pokojem, jednocześnie zajmując stanowisko, czy to dzierżąc karabin, czy też nawigując po burzliwym niebie na swoim szybowcu. Ten film artystycznie przedstawia dyplomację jako potężną formę oporu.
Fabuła, oparta na mandze Miyazakiego o tym samym tytule, zagłębia się o wiele bardziej, niż pozwala na to dwugodzinny czas trwania filmu, prezentując złożoną i mroczniejszą opowieść bogatą w komentarze polityczne. Niemniej jednak nawet animowany film fabularny oferuje niezwykle wszechstronną i satysfakcjonującą fabułę.
5 Ruchomy zamek Hauru
Gdzie serca znajdują dom w najbardziej nieprawdopodobnych miejscach
W 2004 roku „ Ruchomy zamek Hauru” okazał się jednym z najbardziej zachwycających wizualnie filmów studia Ghibli, co nie było łatwym osiągnięciem w porównaniu z innymi produkcjami tego typu.
Ta adaptacja, luźno oparta na powieści Diany Wynne Jones, opowiada historię Sophie, młodej kobiety, którą złośliwa czarownica przeklęła wyglądem starca. Jej ścieżka prowadzi ją do czarującego, chodzącego zamku Howl, ekstrawaganckiego czarodzieja noszącego tajemniczą przeszłość.
To, co początkowo postrzegane jest jako kapryśna baśń, ewoluuje w przekonującą krytykę wojny. Nieustanny konflikt rozwijający się w tle jest przedstawiony w sposób surowy — brutalny, bezsensowny i niszczycielski. Poprzez Howl Miyazaki przekazuje swoje niezadowolenie z atmosfery politycznej podczas wojny w Iraku, eksplorując tematy militaryzmu i znaczenie stawiania mu oporu — nawet gdy opór ten objawia się w akcie pielęgnowania osobistych relacji.
Powszechne uznanie dla tego filmu obejmowało nominację do Oscara w kategorii Najlepszy Film Animowany i zdobyło nagrody na licznych międzynarodowych festiwalach w Europie i Azji. We Francji odniosło triumfy kasowe, przewyższając nawet kilka wybitnych produkcji hollywoodzkich.
4 Księżniczka Mononoke
Wilki nigdy nie były złoczyńcami
Debiutująca w 1997 roku Księżniczka Mononoke zapoczątkowała epokę transformacji w japońskiej kulturze filmowej. W momencie premiery nosiła tytuł najdroższego wyprodukowanego anime i stała się najbardziej dochodowym filmem w Japonii, dopóki nie została prześcignięta przez Titanica.
Na tle średniowiecznego tła, gdzie ludzkość i natura są zamknięte w konflikcie, narracja powstrzymuje się od przedstawiania uproszczonych rozwiązań. Ashitaka, książę przeklęty śmiertelną raną, szuka harmonii między ścierającymi się siłami, ale odkrywa, że obie frakcje kryją w sobie zarówno zalety, jak i wady. Lady Eboshi służy jako pionierska przemysłowa, a nie tradycyjna antagonistka, podczas gdy wilcza bogini Moro uosabia ochronną dzikość, walcząc o przetrwanie swojego królestwa.
To, co podnosi Księżniczkę Mononoke, to jej odmowa uproszczenia tematów. Zamiast ujmować historię jako dychotomię, przedstawia gobelin złożoności: orędownictwo ekologiczne przeplata się z przetrwaniem egzystencjalnym, tradycja przeciwko nowoczesności i bóstwa zmagające się ze śmiertelnością.
Wzbogacony sugestywną ścieżką dźwiękową Joe Hisaishiego, emocjonalny rdzeń filmu głęboko rezonuje, szczególnie w przejmujących momentach rozgrywających się na tle przejmującego lasu. Nawet dekady później jest to podstawa programów nauczania filmoznawstwa i nauk humanistycznych o środowisku.
3 Chłopiec i czapla
Zniekształcone pożegnanie chłopca-ptaka
Wprowadzony na rynek w 2023 r.The Boy and the Heron został ogłoszony rzekomo ostatnim filmem fabularnym Hayao Miyazakiego. Jednak ten film wyraźnie różni się od wcześniejszych roszczeń do przejścia na emeryturę. Z siedmioma latami zainwestowanymi w jego stworzenie i owiany tajemnicą, urzeka ambicją i głębokim rezonansem emocjonalnym, ucieleśniając istotę Ghibli.
Narracja eksploruje Mahito, chłopca zmagającego się z żalem po śmierci matki podczas II wojny światowej. Ten film przeplata fantastykę z autobiograficznymi tematami, odzwierciedlając własne doświadczenia kształtujące Miyazakiego i złożone więzi z Japonią w czasie wojny.
Animacja jest po prostu zapierająca dech w piersiach, choć przesiąknięta melancholią. Gobelin nawiedzających obrazów — w tym krwawiących pelikanów i górujących papug — tworzy krajobraz snów, który oscyluje między koszmarem a marzeniem sennym. Zamiast udzielać prostych odpowiedzi, Miyazaki zachęca widzów do zastanowienia się i przetworzenia niezliczonych wrażeń wywołanych przez film.
Ten filmowy klejnot zdobył Oscara za najlepszy pełnometrażowy film animowany podczas gali rozdania Oscarów w 2024 r., co jeszcze bardziej umocniło pozycję Miyazakiego jako legendarnej postaci w historii animacji.
2 Grób Świetlików
Płomienie, które rozświetlają najciemniejszy cień wojny
Grób świetlików (1988) wykracza poza granice fantazji; jest najbardziej wstrząsającym dziełem studia Ghibli — przeżyciem, które z pewnością pozostawi widzów w refleksyjnej ciszy jeszcze długo po seansie.
Reżyserowany przez Isao Takahatę film opowiada tragiczną historię rodzeństwa Seity i Setsuko, walczących o przetrwanie w Kobe po zniszczeniach spowodowanych amerykańskimi bombardowaniami w ostatnich dniach II wojny światowej. Ta opowieść jest pozbawiona złoczyńców, przedstawiająca surową rzeczywistość głodu, strachu i świata obojętnego na los dzieci.
Wizja Takahaty jest głęboko osobista, czerpie z własnych wspomnień z dzieciństwa i jest inspirowana półautobiograficznym opowiadaniem Akiyuki Nosaki. Styl animacji jest prosty, ale emocjonalny wpływ jest oszałamiający. Upadek Setsuko rozwija się jako cichy, rozdzierający serce moment, oddany z czułością, powściągliwością i nie do zniesienia ciężarem.
Początkowo film nie odniósł sukcesu komercyjnego, ale jego spuścizna rozkwitła z czasem. Znany krytyk Roger Ebert okrzyknął go „jednym z najlepszych filmów wojennych, jakie kiedykolwiek powstały”, często wspominanym w debatach na temat ludzkich ofiar wojny zarówno w Japonii, jak i na świecie.
Często jest wyświetlany obok My Neighbor Totoro nie dla kontrastu, ale dla zestawienia współistnienia światła i cienia we wczesnych pracach Ghibli. Po obejrzeniu jego narracja pozostaje wieczna.
1 Spirited Away
Łaźnia, która oczyściła świat
Spirited Away (2001) to nie tylko najbardziej uznany film studia Ghibli, ale również jedno z najlepszych dzieł animowanych w historii kina.
Fabuła opowiada o Chihiro, rozczarowanej dziesięciolatce, która wpada do mistycznej łaźni prowadzonej przez bogów i duchy, gdzie jej rodzice zostają przemienieni w świnie. Aby poruszać się po tym czarującym królestwie i uratować rodzinę, zapewnia sobie pracę u Yubaby, potężnej czarownicy, ucząc się ważnych lekcji życiowych na temat tożsamości, rozwoju i znaczenia walki o własne wartości.
Wizualnie film jest arcydziełem, każda klatka jest ręcznie wykonana z dbałością, z świetlistymi latarniami, zamaskowanymi bóstwami rzecznymi i zabawnymi duszkami sadzy pracującymi nad węglem.Łaźnia służy jako tętniący życiem ekosystem, pełen dziwacznych postaci i ukrytych emocji.
Po debiucie Spirited Away pobił rekordy kasowe w Japonii, przyćmiewając Titanica i stając się najbardziej dochodowym filmem w historii Japonii. W 2003 r.otrzymał Oscara za najlepszy film animowany, co oznaczało, że po raz pierwszy rysowany ręcznie film w języku innym niż angielski został uhonorowany tym wyróżnieniem.
Dodaj komentarz