Przez dziesięciolecia muzyka była integralnym aspektem gier wideo, wzmacniając emocjonalne momenty i, w grach rytmicznych, stanowiąc rdzeń rozgrywki. Jednak rola muzyki wykracza daleko poza te funkcje.
Podobnie jak same gry wideo, muzyka może się znacznie różnić pod względem formy i celu. W niektórych tytułach muzyka w tle może wzbogacać główną pętlę rozgrywki lub nawet kontrolować dynamikę świata gry. W innych scenariuszach wydarzenia w grze mogą synchronizować się z akompaniamentem muzycznym, dodając warstwy do już zróżnicowanego doświadczenia gry.
Zasadniczo ta dyskusja podkreśla gry, które wykorzystują muzykę jako mechanikę rozgrywki, a nie wyłączną mechanikę. Wykracza poza proste uderzanie w nuty na ekranie, aby tworzyć innowacyjne interakcje między muzyką a rozgrywką. Oto godne uwagi przykłady, które pokazują te przełomowe integracje muzyczne.
10 Pozostawionych 4 Martwych 2
Muzyczne wskazówki reżysera AI
W Left 4 Dead 2 przetrwanie zależy od polegania na zmysłach, szczególnie na słuchu. Gracze muszą zachować czujność w stosunku do specjalnych zainfekowanych, a także słuchać subtelnych wskazówek dźwiękowych gry.
Każdy zainfekowany typ emituje unikalne wokalizacje, które służą jako ostrzeżenia. Uzupełnieniem tych dźwięków są muzyczne żądła, które oznaczają znaczące wydarzenia, kreatywnie zaaranżowane przez AI Director. Na przykład, nawiedzający utwór fortepianowy może sygnalizować pojawienie się Smokera, podczas gdy pojawienie się Huntera wywołuje drażniącą nutę skrzypiec.
Te muzyczne wskazówki działają jak alerty dźwiękowe, kierując graczy do potencjalnych zagrożeń, nawet jeśli nie są one od razu widoczne. Nagły przypływ intensywnej perkusji wskazuje na oblężonego członka drużyny, podczas gdy rozległy motyw orkiestrowy zwiastuje przybycie potężnego Tanka.
9 legend Raymana
Synchronizacja platform z muzyką
Rayman Legends charakteryzuje się przede wszystkim tradycyjną platformówką typu side-scrolling, unikając charakterystycznej mechaniki muzycznej. Jednak każdy świat kończy się w wyjątkowy sposób gorączkowym poziomem, w którym gracze muszą wydostać się z niebezpiecznej ściany.
W tych segmentach rozgrywka przekształca się w rytmiczne doświadczenie, w którym każdy skok, interakcja z wrogiem i przeszkoda harmonijnie współgrają z podkładem muzycznym. Ignorowanie muzyki jest możliwe, ale może prowadzić do chaosu; synchronizacja z rytmem wzmacnia wrażenia z gry.
Cechą wyróżniającą te poziomy jest włączenie odświeżonych wersji popularnych piosenek, takich jak „Black Betty” zespołu Ram Jam i „Eye of the Tiger” zespołu Survivor, wraz z oryginalnymi kompozycjami, które zapewniają świeże wrażenia słuchowe.
8 rezerw
Harmonia dźwięku i akcji
Na pierwszy rzut oka abstrakcyjne wizualizacje Rez mogą pozostawić graczy zdezorientowanych co do ich muzycznego znaczenia. Jako strzelanka kolejowa gracze poruszają się po cyfrowym krajobrazie, aby eliminować wrogów pośród pulsujących rytmów techno.
Czas pojawiania się wrogów odpowiada rytmicznie ścieżce dźwiękowej, pozwalając graczom oddawać strzały w synchronizacji z muzyką. Chociaż gra nie wymaga dźwięku, aby odnieść sukces, jej projekt sprzyja wyjątkowym doznaniom sensorycznym, emulując synestezję poprzez integrację wizualną i słuchową.
Dzięki naciskowi na wrażenia dotykowe każdy strzał ma oddźwięk w kontrolerze, co tworzy namacalne połączenie między akcją i dźwiękiem. Przypomina to grę rytmiczną w trakcie jazdy samochodem w rytm energetyzującej muzyki.
7 Matka 3
Atakowanie w rytmie
Mother 3 niesie echa swojego poprzednika, Earthbound, szczególnie w dynamice walki. Dzięki unikalnemu zwrotowi akcji, system Sound Battle pozwala na wzmocnienie ataków poprzez stukanie przycisku A w rytm muzyki.
Każdy wróg, w tym groźni bossowie, posiada swoją charakterystyczną melodię, której musisz się nauczyć, aby zmaksymalizować swoją skuteczność w walce. Ponadto uspokojenie wroga daje możliwość usłyszenia jego „bicia serca”, skutecznie ujawniając ukryty rytm, który jest kluczowy dla wyczucia czasu twoich uderzeń.
Ta urocza absurdalność przyczynia się do kapryśnego uroku typowego dla tej serii, angażując graczy i jednocześnie wystawiając na próbę ich muzyczne instynkty.
6 Wieczność
Uciekaj do rytmu
Po premierze Everhood często porównywano do mieszanki Undertale i Guitar Hero ze względu na unikalny projekt walki, kładący nacisk na unikanie. Gracze muszą unikać szybko poruszających się kolorowych pocisków, które są ściśle dopasowane do ścieżki dźwiękowej.
Początkowo brak opcji walki, gracze będą musieli poruszać się po tych zagrożeniach, jednocześnie znajdując swój rytm. Na późniejszych etapach gracze mogą zacząć przechwytywać ataki, co pozwoli im na odwet, gdy pożądany kolor pojawi się pośród chaosu.
Ta mechanika sprawia, że gracze muszą być cały czas czujni, równoważąc ryzyko uniku z potencjalnymi kontratakami — to delikatny taniec wyczucia czasu i strategii.
5 Legenda Zeldy: Ocarina of Time
Siła muzyki w Hyrule
W całej serii Legend of Zelda Link wykazał się biegłością w muzyce, zwłaszcza w grze na instrumentach dętych drewnianych. To powinowactwo jest najbardziej widoczne w Ocarina of Time, gdzie używa tytułowego instrumentu do interakcji ze swoim otoczeniem.
Wykorzystując melodie takie jak Epona’s Song do przywoływania konia i potężne melodie do manipulowania czasem, muzyczna podróż Linka jest zarówno transformująca, jak i niezbędna do postępu. Pod przewodnictwem Sheika Link uczy się dodatkowych Warp Songs, dzięki czemu podróżowanie po Hyrule jest wydajne i satysfakcjonujące.
4.Hi-Fi Rush
Synchronizacja ruchu z melodią
Hi-Fi Rush wprowadza graczy do świata, w którym rytm dyktuje przepływ akcji. Bohater, Chai, odkrywa, że jego umiejętności bojowe i otoczenie pulsują w rytm muzyki, która płynie z głośnika zamontowanego na jego klatce piersiowej.
Zarówno Chai, jak i jego przeciwnicy wykonują ataki w synchronizacji z rytmem. Gracze, którzy potrafią utrzymać tempo, wyprowadzają potężniejsze ciosy, zwiększając zarówno obrażenia, jak i wynik. Jednak nawigowanie po bitwach wymaga strategii wykraczającej poza zwykły rytm, ponieważ zwinne manewry i właściwy czas są kluczowe dla pokonania przeciwników.
3 Brak prostych dróg
Wyzwolenie się z rytmu
No Straight Roads kręci się wokół starcia konformizmu EDM z duchową esencją muzyki rockowej. Podczas gdy wielu bossów trzyma się rytmu podkładu, gracze maszerują w swoim własnym rytmie.
Podczas walk z bossami ataki odbywają się w przewidywalnych, rytmicznych kadencjach, ale gracze mają pełną swobodę poruszania się, korzystając z mocy rocka i kreatywnych strategii bez konieczności ścisłego trzymania się tempa muzyki.
2 Krypta NekroTancerza
Taniec w obliczu niebezpieczeństwa
Dla fanów gier typu roguelike, takich jak Binding of Isaac, Crypt of the NecroDancer oferuje unikalną odmianę znanej rozgrywki. Gracze eksplorują proceduralnie generowane lochy pełne niebezpiecznych wrogów, ale z pewnym haczykiem: wszystkie ruchy muszą być zgodne z rytmem muzyki, aby odnieść sukces.
Każda akcja — Twoja i Twoich wrogów — musi być zsynchronizowana z ciągle ewoluującą ścieżką dźwiękową. To podejście oparte na rytmie łączy standardowe elementy roguelike z ekscytującym wyzwaniem muzycznym, wymagając interaktywnych umiejętności wielozadaniowości, aby skutecznie poruszać się po wyzwaniach.
1 Metal: Pieśniarz Piekieł
Symfonia zniszczenia
Metal: Hellsinger zapewnia pełne adrenaliny doświadczenie przypominające strzelanki areny, takie jak Doom Eternal, łącząc intensywne walki z zabójczą ścieżką dźwiękową. Gracze biorą udział w brutalnych bitwach z hordami demonów, ale z unikalnym zwrotem akcji: twoje umiejętności i czasy przeładowania znacznie się poprawiają, gdy strzelasz w synchronizacji z muzyką.
Taka dynamika rozgrywki wymaga od graczy zachowania mobilności i rytmu, a także dbania o to, by każda akcja była zgodna z rytmem, co pozwala uwolnić niszczycielskie moce i unikać nadchodzących ataków — co zapewnia wciągającą integrację rytmu i akcji.
Dodaj komentarz