Studio Ghibli non è semplicemente uno studio di animazione; è un capitolo monumentale nella narrazione del successo cinematografico. Co-fondato nel 1985 dai visionari Hayao Miyazaki e Isao Takahata, Ghibli ha coltivato una straordinaria eredità caratterizzata da un’intricata maestria nel disegno a mano, una narrazione profondamente toccante e una profonda venerazione per la natura, l’infanzia e il variegato spettro delle emozioni umane.
In un panorama in cui molti creatori di anime inseguivano tendenze passeggere e la redditività commerciale, Ghibli ha optato per un approccio più ponderato e duraturo. Lo studio ha abbracciato l’idea che il pubblico, soprattutto i più giovani, potesse confrontarsi con temi di dolore, apprezzare la bellezza del silenzio e affrontare la complessità delle incertezze della vita. Di seguito, presentiamo alcune delle opere più iconiche dello studio.
7 Castello nel cielo
Dove i sogni volano tra le nuvole
Uscito nel 1986, “La fortezza nel cielo” segna il film inaugurale dello Studio Ghibli, gettando le basi per l’identità artistica dello studio. Diretto da Hayao Miyazaki, questo film non è stato solo un’introduzione, ma una vera e propria proclamazione dell’intento creativo. Caratterizzato da ampie vedute aeree e da un’atmosfera fantasy industriale, racchiude i temi dell’innocenza intrecciati con la lotta contro l’oppressione.
La narrazione è incentrata su Pazu, un giovane minatore, e Sheeta, una ragazza che scende dal cielo, la cui salvezza è legata a un misterioso amuleto levitante. La loro avventura li conduce a Laputa, una mitica città galleggiante che si credeva abbandonata da tempo ma brulicante di vita. Quella che inizialmente sembra una semplice scappatella infantile si trasforma presto in un’analisi a più livelli di società perdute, ambizione imperiale e sfrenato progresso tecnologico.
Il mondo rappresentato in “La fortezza nel cielo” fonde armoniosamente elementi meccanici e organici, caratterizzato da imponenti dirigibili e città spinte dal vento, immerse tra i verdeggianti resti di civiltà un tempo fiorenti. Miyazaki si è ispirato a ” I viaggi di Gulliver” e alle comunità minerarie gallesi che incontrò durante un periodo di agitazioni operaie, temi che risuonano chiaramente nella rappresentazione del film degli eroi della classe operaia e della resistenza contro lo sfruttamento sistemico.
6 Nausicaa della valle del vento
L’ultima speranza della natura con una pistola e un cuore
Uscito nel 1984, Nausicaä della Valle del Vento prefigurava l’ethos dello Studio Ghibli ben prima della sua fondazione ufficiale. Sebbene prodotto dalla Topcraft, il suo enorme successo permise a Miyazaki e al produttore Toshio Suzuki di fondare lo Studio Ghibli poco dopo, rendendo questo film una pietra miliare del suo percorso creativo.
Ambientato in uno scenario distopico ammantato dalla “Giungla Tossica” – una natura selvaggia mutata abitata da insetti colossali e spore nocive – l’umanità lotta per la sopravvivenza in enclave sparse, spesso provocando conflitti per la scarsità di terre abitabili. Al centro di questo paesaggio devastato c’è Nausicaä, la principessa di una valle tranquilla, che possiede una straordinaria affinità per gli abitanti della giungla.
Ciò che rende Nausicaä di un impatto indimenticabile è la sua interpretazione sfumata dell’ambientalismo, che sceglie di non aderire a stereotipi facilmente assimilabili. Nausicaä incarna il pacifismo unito alla resilienza; si batte per la pace prendendo posizione, che si tratti di brandire un fucile o di solcare cieli tumultuosi a bordo del suo aliante. Questo film raffigura con maestria la diplomazia come una potente forma di resistenza.
La narrazione, basata sull’omonimo manga di Miyazaki, si addentra ben oltre le due ore di durata del film, presentando una storia complessa e cupa, ricca di commenti politici. Ciononostante, anche il film d’animazione offre una trama straordinariamente completa e appagante.
5 Il castello errante di Howl
Dove i cuori trovano casa nei luoghi più improbabili
Nel 2004, Il castello errante di Howl si è affermato come uno dei film visivamente più straordinari dello Studio Ghibli, un’impresa non facile tra i suoi pari.
Questo adattamento, liberamente ispirato al romanzo di Diana Wynne Jones, segue Sophie, una giovane donna a cui una strega malvagia le ha fatto assumere un aspetto da anziana. Il suo cammino la conduce all’incantevole castello ambulante di Howl, un mago fiammeggiante dal passato misterioso.
Quella che inizialmente viene percepita come una fiaba stravagante si trasforma in un’avvincente critica della guerra. L’incessante conflitto che si svolge sullo sfondo è presentato in modo crudo, crudo, insensato e devastante. Attraverso Howl, Miyazaki esprime il suo malcontento per il clima politico durante la guerra in Iraq, esplorando i temi del militarismo e l’importanza di resistergli, anche quando tale resistenza si manifesta nell’atto di coltivare relazioni personali.
L’ampio successo di questo film ha portato a una nomination all’Oscar come miglior film d’animazione e ha ottenuto riconoscimenti in numerosi festival internazionali in Europa e Asia. In Francia, ha ottenuto trionfi al botteghino, superando persino diverse importanti produzioni hollywoodiane.
4 Principessa Mononoke
I lupi non sono mai stati i cattivi
Debuttando nel 1997, Principessa Mononoke ha catalizzato un’era di trasformazione nella cultura cinematografica giapponese. Alla sua uscita, deteneva il titolo di anime più costoso mai prodotto e divenne il film di maggior incasso in Giappone, fino a quando non fu superato da Titanic.
In uno scenario medievale in cui umanità e natura sono in conflitto, la narrazione si astiene dal fornire soluzioni semplicistiche. Ashitaka, un principe maledetto da una ferita mortale, cerca l’armonia tra le forze in conflitto, ma scopre che entrambe le fazioni nascondono pregi e difetti. Lady Eboshi è un’industriale pioniera piuttosto che una tradizionale antagonista, mentre la dea lupo Moro incarna la ferocia protettiva, lottando per la sopravvivenza del suo regno.
Ciò che rende Principessa Mononoke speciale è il suo rifiuto di semplificarne i temi. Invece di inquadrare la storia come una dicotomia, presenta un arazzo di complessità: la difesa dell’ambiente si intreccia con la sopravvivenza esistenziale, la tradizione contro la modernità e le divinità alle prese con la mortalità.
Arricchito dalla suggestiva colonna sonora di Joe Hisaishi, il nucleo emotivo del film risuona profondamente, in particolare nei momenti toccanti ambientati nell’inquietante scenario della foresta. Anche a distanza di decenni, è un punto fermo nei programmi di studi cinematografici e di scienze umane ambientali.
3 Il ragazzo e l’airone
L’addio contorto di un ragazzo uccello
Lanciato nel 2023, “Il ragazzo e l’airone” è stato annunciato come il presunto ultimo lungometraggio di Hayao Miyazaki. Tuttavia, questo film appare nettamente diverso dalle precedenti dichiarazioni di ritiro. Con sette anni investiti nella sua creazione e avvolto nel segreto, affascina per la sua ambizione e la profonda risonanza emotiva, racchiudendo l’essenza dello Studio Ghibli.
La narrazione esplora Mahito, un ragazzo alle prese con il dolore per la morte della madre durante la Seconda Guerra Mondiale. Questo film intreccia fantasy e temi autobiografici, riflettendo le esperienze formative di Miyazaki e i suoi complessi legami con il Giappone in tempo di guerra.
L’animazione è a dir poco mozzafiato, seppur intrisa di malinconia. Un arazzo di immagini inquietanti – tra cui pellicani sanguinanti e imponenti parrocchetti – crea un paesaggio onirico che oscilla tra incubo e sogno ad occhi aperti. Invece di fornire risposte dirette, Miyazaki incoraggia il pubblico a riflettere ed elaborare la miriade di sensazioni evocate dal film.
Questo gioiello cinematografico si è aggiudicato l’Oscar come miglior film d’animazione agli Oscar del 2024, consolidando ulteriormente la posizione di Miyazaki come figura leggendaria nella storia dell’animazione.
2 La tomba delle lucciole
Le fiamme che illuminano l’ombra più oscura della guerra
Una tomba per le lucciole (1988) trascende la fantasia; rappresenta l’offerta più straziante dello Studio Ghibli, un’esperienza che probabilmente lascerà gli spettatori in un silenzio riflessivo a lungo dopo la visione.
Diretto da Isao Takahata, questo film racconta la tragica storia dei fratelli Seita e Setsuko, che lottano per sopravvivere a Kobe dopo la devastazione causata dai bombardamenti americani negli ultimi giorni della Seconda Guerra Mondiale. Questa narrazione è priva di personaggi malvagi e descrive la cruda realtà della fame, della paura e di un mondo indifferente alla difficile situazione dei bambini.
La visione di Takahata è profondamente personale, attingendo ai suoi ricordi d’infanzia e ispirandosi al racconto semi-autobiografico di Akiyuki Nosaka. Lo stile di animazione è semplice, eppure l’impatto emotivo è travolgente. La scomparsa di Setsuko si svolge come un momento silenzioso e straziante, reso con tenerezza, compostezza e un peso insopportabile.
Inizialmente, il film non ottenne un grande successo commerciale, ma la sua fama prosperò nel tempo. Il celebre critico Roger Ebert lo definì “uno dei più grandi film di guerra mai realizzati”, spesso citato nei dibattiti sul bilancio umano della guerra, sia in Giappone che nel resto del mondo.
Viene spesso proiettato insieme a “Il mio vicino Totoro”, non per contrasto, ma per giustapporre la coesistenza di luci e ombre nelle prime opere dello studio Ghibli. Una volta visto, il suo racconto rimane indelebile.
1 La città incantata
Lo stabilimento balneare che ha ripulito il mondo
La città incantata (2001) non è solo il film più acclamato dello Studio Ghibli, ma è anche considerato una delle più grandi opere d’animazione nella storia del cinema.
La narrazione segue Chihiro, una bambina di dieci anni disincantata che si imbatte in un mistico bagno pubblico gestito da dei e spiriti, dove i suoi genitori vengono trasformati in maiali. Per esplorare questo regno incantato e salvare la sua famiglia, trova un impiego sotto Yubaba, la formidabile strega, imparando lezioni di vita fondamentali sull’identità, la crescita e l’importanza di lottare per i propri valori.
Dal punto di vista visivo, il film è un capolavoro, ogni fotogramma è realizzato a mano con cura, con lanterne luminose, divinità fluviali mascherate e giocosi spiriti della fuliggine che lavorano sul carbone. Lo stabilimento balneare funge da ecosistema vibrante, brulicante di personaggi bizzarri ed emozioni nascoste.
Al suo debutto, La città incantata ha frantumato i record al botteghino in Giappone, eclissando Titanic e diventando il film di maggior successo nella storia giapponese. Ha ricevuto l’Oscar come miglior film d’animazione nel 2003, segnando la prima volta che un film disegnato a mano e in lingua non inglese ha ricevuto questo riconoscimento.
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