Il regista di Aeon Flux spiega l’ascesa del predominio degli anime in televisione

C’è stata una notevole impennata nella popolarità degli anime sulla scena televisiva globale, ampiamente attribuita al suo approccio distintivo all’animazione, alla narrazione e alla filosofia culturale. Peter Chung, famoso per aver creato Aeon Flux, ha offerto spunti interessanti in una discussione del forum del 2007 incentrata sulle differenze intrinseche tra l’ animazione giapponese e quella occidentale. La sua analisi aiuta a scoprire le ragioni dietro l’attrattiva accattivante degli anime per il pubblico internazionale. Chung ha osservato che l’animazione giapponese prospera sulla stilizzazione e sul tocco personale dell’animatore, in netto contrasto con l’enfasi dell’animazione occidentale sul raggiungimento di un realismo perfetto e di narrazioni guidate dai personaggi.

Utilizzando tecniche culturali, tecniche e filosofiche uniche, l’anime è salito a livello mondiale fino a diventare una delle principali forme di intrattenimento. Una comprensione di queste dinamiche consente un apprezzamento più ricco delle tradizioni occidentali e giapponesi, e al contempo mette in mostra l’impareggiabile capacità dell’anime di ispirare e creare connessioni con spettatori diversi.

La filosofia culturale dietro l’animazione giapponese

Come il patrimonio artistico giapponese plasma la sua animazione

Principessa Mononoke e Mitsuha da Your Name

Nel profondo, l’animazione giapponese emerge da una tradizione culturale che sostiene la stilizzazione rispetto al realismo. In contrasto con l’arte classica occidentale, che spesso si sforza di ottenere una tecnica invisibile che renda rappresentazioni realistiche, l’arte giapponese celebra il segno della mano dell’artista. Questa filosofia può essere fatta risalire alle forme teatrali tradizionali giapponesi come il kabuki e il noh, dove espressioni esagerate e performance stilizzate elevano i personaggi oltre la mera imitazione della realtà.

Chung traccia un intrigante parallelo tra l’animazione giapponese e il teatro dei burattini Bunraku, sottolineando la visibilità degli artisti umani, proprio come gli animatori rivelano la loro arte. L’enfasi non è sulla creazione di un’illusione di vita; piuttosto, evidenzia l’intricata maestria dietro il movimento. Questa trasparenza consente al pubblico di vedere l’animazione come una vera forma d’arte, che mette in mostra gli stili e le pennellate uniche dei singoli animatori.

Questa attenzione culturale alla stilizzazione crea un parco giochi creativo per gli animatori, consentendo una sperimentazione audace nella narrazione visiva. Personaggi iconici come Yoshinori Kanada e Shinya Ohira hanno profondamente influenzato il panorama degli anime attraverso le loro collaborazioni con Studio Ghibli e il franchise di Final Fantasy, ispirando innumerevoli altri creatori a spingere i limiti dell’animazione.

L’anime è definito dalle sue innovazioni tecniche

Le tecniche di produzione che fanno risaltare gli anime

Hayao Miyazaki sorride davanti a un'immagine tratta dal Castello errante di Howl.

Le tecniche di produzione utilizzate negli anime contribuiscono in modo significativo al loro fascino. Un aspetto chiave riguarda l’uso di dialoghi in loop e post-registrati, che consentono ai registi di enfatizzare elementi ambientali, angoli di ripresa dinamici e composizione anziché concentrarsi esclusivamente sulla precisione del lip-sync. Questo metodo crea un’esperienza visivamente immersiva che cattura il pubblico attraverso una ricca animazione e la creazione del mondo.

Inoltre, la struttura operativa degli studi di animazione giapponesi promuove processi creativi efficienti.Gli animatori sono spesso incaricati di intere sequenze, consentendo loro di fondere in modo coeso personaggi, oggetti di scena ed effetti visivi. Ciò contrasta con la divisione del lavoro in molti studi occidentali, dove le specializzazioni possono compromettere l’integrità della narrazione. La dipendenza giapponese da genga (disegni originali) e douga (disegni intermedi) amplifica ulteriormente l’espressione artistica degli animatori, rafforzando il legame tra i creatori e il loro pubblico.

In Giappone, i registi spesso si impegnano direttamente nel processo di produzione, e molti scelgono di realizzare da soli lo storyboard di interi episodi o film. Visionari come Hayao Miyazaki e Satoshi Kon esemplificano questo approccio pratico, assicurandosi che la loro visione creativa permei ogni aspetto della produzione. Ciò contrasta nettamente con il modello gerarchico di Hollywood, in cui i registi spesso supervisionano team vasti e delegano ampiamente i compiti.

Perché gli anime abbracciano la loro identità di animazione

Gli anime hanno molta libertà espressiva

Nell’animazione giapponese, il movimento rappresenta una potente forma di autoespressione. Ciò contrasta nettamente con l’animazione occidentale, che si concentra sulla creazione dell’illusione della vita. Chung ha osservato che mentre gli animatori americani si sforzano di migliorare le qualità realistiche dei personaggi, spesso cancellando i segni della mano dell’artista, questa attenzione può soffocare il potenziale immaginativo dell’artista.

Abbracciando la sua identità come una successione di disegni portati in vita, l’anime invita gli animatori a esplorare movimenti esagerati, stili astratti e narrazioni non lineari. Questa flessibilità creativa consente al mezzo di comprendere generi e temi vari, dai regni incantevoli creati dallo Studio Ghibli alle intricate narrazioni psicologiche presentate in opere come Neon Genesis Evangelion.

In definitiva, la straordinaria traiettoria degli anime deriva dalla sua abile fusione di eredità culturale, innovazione tecnologica e una filosofia artistica distintiva. Onorando l’arte dell’animatore e celebrando la stilizzazione, l’animazione giapponese offre un rinfrescante contrappunto alle raffinate produzioni di Hollywood. Mentre gli spettatori cercano sempre più forme uniche di animazione e narrazione, il ruolo degli anime nel plasmare il panorama dell’intrattenimento globale è destinato ad espandersi ulteriormente.

Peter Chung è un toccante promemoria del fatto che sia l’animazione giapponese che quella occidentale possiedono punti di forza unici. Attraverso l’apprendimento reciproco e la collaborazione, gli animatori di tutto il mondo possono affinare l’arte dell’animazione. Per il momento, gli anime rappresentano una testimonianza del potere dell’individualità, della creatività e del fascino duraturo delle narrazioni che coraggiosamente rompono gli schemi.

Fonte: u/FierceAlchemist su Reddit

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