Nel vibrante mondo degli anime, alcuni titoli emergono con narrazioni accattivanti, personaggi che risuonano profondamente e universi che pullulano di creatività. Eppure, nonostante le loro promesse, alcune di queste opere vacillano dal punto di vista visivo, spesso a causa di fattori come tempi di produzione ristretti, limiti di budget o decisioni creative non convenzionali. Il risultato è una serie di storie eccezionali che non riescono a esprimere appieno il loro potenziale a causa di una qualità di animazione inadeguata.
Questa discussione non intende sminuire questi titoli, ma piuttosto evidenziarne il potenziale inespresso. Ognuna delle serie menzionate vanta una narrazione degna di elogio. Tuttavia, un filo conduttore comune è la delusione derivante dalla loro animazione non allineata alle aspirazioni narrative.
Gli anime selezionati avrebbero potuto raggiungere vette più elevate se la loro presentazione visiva fosse stata all’altezza dell’eccellenza della scrittura.
6 I sette peccati capitali
Quando i cambiamenti in studio rompono i legami sacri
The Seven Deadly Sins è nato come un avvincente adattamento del manga di Nakaba Suzuki, che raccontava il viaggio di Meliodas e della sua banda di cavalieri ingiustamente accusati di tradimento contro il Regno di Liones. Le prime due stagioni, realizzate da A-1 Pictures, hanno mostrato un’animazione impressionante che ha esaltato con successo l’eroica impresa di Elizabeth per assolvere i Peccati e salvare il suo regno.
Tuttavia, un drastico cambiamento si verificò quando lo Studio Deen prese in carico la terza stagione, intitolata “Wrath of the Gods”.Gli spettatori notarono subito un significativo calo della qualità dell’animazione, in particolare nelle scene di battaglia cruciali. L’attesissimo scontro tra Escanor e Meliodas si rivelò un fiasco, manifestandosi invece come una sequenza rovinata da inquadrature statiche e coreografie poco brillanti.
Ad amplificare questa delusione è la profondità del materiale originale, che approfondisce temi di redenzione, sacrificio e il pesante tributo delle trasgressioni passate. L’amore eterno di Ban per Elaine e le difficoltà di King con i suoi doveri nel regno delle fate aggiungono strati alla narrazione. Meliodas, gravato dall’eredità di essere la progenie del Re dei Demoni, desidera ardentemente spezzare un ciclo di reincarnazione che ha portato alle infinite tragedie di Elizabeth.
5 Regno
Un’epopea bellica ostacolata dagli esperimenti 3D
Radicata nella tumultuosa storia del periodo degli Stati Combattenti in Cina, Kingdom racconta l’aspirazione di un giovane ragazzo a diventare il più grande generale sotto il cielo. La serie è ricca di strategie militari, tradimenti e discordie filosofiche tra signori della guerra, ognuno caratterizzato dal proprio peculiare senso di giustizia.
Tuttavia, all’uscita nel 2012, i fan rimasero spiazzati dall’uso eccessivo di animazioni CGI troppo rigide. Le scene di battaglia essenziali, centrali per il nucleo della serie, erano rappresentate con pupazzi 3D senza vita, con il risultato di movimenti scomposti e mancanza di espressione. Ciò sminuiva l’esperienza immersiva promessa dalla storia.
Fortunatamente, le stagioni successive, dopo aver cambiato studio, hanno optato per l’animazione 2D tradizionale, il che ha permesso alla serie di riflettere la vitalità del materiale originale. Inizialmente, Kingdom è stato messo in ombra dalle sue carenze visive, anziché essere celebrato per la sua brillantezza strategica.
4. Dororo
Un reboot pieno di sentimento che è svanito fotogramma dopo fotogramma
Dororo è una serie intrisa di dolore che segue Hyakkimaru, un ragazzo privato di arti, vista e pelle, mentre attraversa un Giappone dilaniato dalla guerra, sconfiggendo demoni per recuperare le sue parti del corpo perdute. In coppia con Dororo, un orfano intelligente, la serie trasuda profondità emotiva: una narrazione che esplora l’identità, la vendetta e il profondo costo del recupero della propria umanità.
Prodotto da MAPPA e Tezuka Productions nel 2019, il reboot ha debuttato con immagini sorprendenti, in particolare nella rappresentazione delle battaglie di Hyakkimaru, nonostante i suoi limiti. Tuttavia, con il progredire della stagione, hanno iniziato a emergere evidenti carenze nell’animazione, che spaziavano da scene di combattimento a scatti a incongruenze nel design dei personaggi e inquadrature problematiche. Sfondi statici e angolazioni di ripresa scomode spesso mascheravano la mancanza di fluidità nei movimenti.
Ciò è stato particolarmente scoraggiante, considerando l’eccezionale scrittura di Dororo nello sviluppo dei personaggi, nel ritmo e nella narrazione morale, tutti adattati dal manga originale di Osamu Tezuka. Con l’intensificarsi della tensione attorno allo scontro tra Hyakkimaru e suo fratello Daigo, l’animazione ha vacillato, con un impatto emotivo significativamente ridotto, simile a quello di assistere a un capolavoro oscurato da una foschia.
3 One-Punch Man
Da divino a appena nella media
Al suo debutto nel 2015, la prima stagione di One-Punch Man ha trasformato il panorama degli anime, con sequenze d’azione mozzafiato dirette dallo Studio Madhouse e dall’animatore Shingo Natsume. L’iconico scontro tra Saitama e Boros ha segnato un punto di riferimento per l’animazione d’azione, dove ogni colpo era incisivo e meritato.
Tuttavia, il passaggio alla seconda stagione ha segnato un declino.
Con JC Staff al timone, lo slancio rallentò, così come la qualità dell’animazione. Gli scontri di Saitama furono relegati a scene d’azione fuori campo, avvolte da fumo ed effetti di velocità, impedendo la possibilità di sequenze complete. Quella che un tempo era energia cinetica nelle battaglie di Genos si trasformò in effetti grezzi e fotogrammi sgraziati. L’estetica ne risentì, con inquadrature piatte e sfondi poco originali che contribuirono alla riduzione complessiva della qualità.
Inoltre, questa seconda stagione ha coinciso con l’inizio dell’arco narrativo dell’Associazione dei Mostri, una parte intensa del manga che ha introdotto Garou, un antieroe complesso guidato dal suo contorto senso di giustizia. Invece di offrire scontri avvincenti, i fan si sono trovati ad affrontare limiti di budget, problemi di ritmo e coreografie limitate.
2 Iniziale D
Quando le corse sono diventate una presentazione PowerPoint
Initial D è una presenza monumentale negli anime dedicati alle corse clandestine, particolarmente amata dagli appassionati di auto e dagli appassionati di Eurobeat. La serie fonde sapientemente l’autenticità della meccanica automobilistica, la cultura del drifting e le corse clandestine in un’esperienza visiva emozionante, incentrata su Takumi Fujiwara, un fattorino di tofu apparentemente ordinario, la cui abilità sulle strade del Monte Akina gli è valsa uno status leggendario.
Nonostante la sua narrazione avvincente, la serie ha sofferto di scarsa qualità dell’animazione, soprattutto nelle prime stagioni. Sebbene l’animazione dei personaggi fosse accettabile, le sequenze di gara si basavano pesantemente su una CGI rudimentale. Le auto apparivano spesso goffe e senza vita, come se scivolassero su una superficie piuttosto che in gara.
Questo netto contrasto tra la fluidità dell’animazione 2D dei personaggi e la goffaggine dei modelli 3D delle auto ha compromesso l’immersione. Ciononostante, i fan sono rimasti coinvolti, catturati dalla narrazione avvincente.
1 Berserk
Una storia leggendaria massacrata dalla CGI
Berserk di Kentaro Miura è universalmente riconosciuto come uno dei manga più grandiosi mai creati, con la storia di Guts, un mercenario alle prese con un passato macchiato dal tradimento e un destino intriso di tumulti. La sua narrazione esplora temi profondi come la vendetta, il trauma e l’ambizione, mettendo in luce l’intricata relazione tra Guts e Griffith.
L’adattamento anime del 1997 ha ottenuto elogi per la sua fedele rappresentazione della tragica saga che coinvolge la Banda del Falco, nonostante le risorse limitate. Tuttavia, l’uscita del sequel del 2016 ha acceso la speranza di un adattamento più raffinato, aspettative che alla fine sono state deluse.
Utilizzando un approccio ibrido e sconnesso di CGI, l’animazione ha reso i movimenti goffi e poco convincenti, con distorsioni facciali e sequenze d’azione lente. Il famigerato incidente del “demone cavallo” è diventato un punto di riferimento culturale per tutte le ragioni sbagliate, mentre anche i momenti più silenziosi hanno sofferto di modelli robotici dei personaggi e di una scarsa sincronizzazione labiale.
Ad aggravare questa tragedia è stata la negligenza nei confronti della narrazione sfumata di Miura, ricca di lotte esistenziali, dilemmi morali ed emozioni forti. Al contrario, la produzione è apparsa frettolosa e indifferente, portando la serie a diventare una delle più grandi delusioni nella storia degli adattamenti anime.
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