Dans le monde vibrant de l’anime, certains titres émergent avec des récits captivants, des personnages profondément touchants et des univers débordants de créativité. Pourtant, malgré leurs promesses, certaines de ces œuvres pèchent visuellement, souvent en raison de contraintes de calendrier de production, de contraintes budgétaires ou de décisions créatives peu orthodoxes. Il en résulte une multitude d’histoires exceptionnelles qui ne parviennent pas à atteindre leur plein potentiel en raison d’une qualité d’animation insuffisante.
Cette discussion n’a pas pour but de dénigrer ces titres ; elle vise plutôt à souligner leur potentiel inexploité. Chacune des séries mentionnées ici possède une narration digne d’éloges. Cependant, un point commun entre elles est la déception liée au fait que leur animation ne corresponde pas à leurs aspirations narratives.
Ces anime sélectionnés auraient pu atteindre de plus hauts sommets si leurs présentations visuelles correspondaient à leur excellence écrite.
6 Les sept péchés capitaux
Quand les changements de studio brisent les liens sacrés
Les Sept Péchés Capitaux a débuté comme une adaptation captivante du manga de Nakaba Suzuki, relatant le périple de Meliodas et de sa bande de chevaliers, injustement accusés de trahison envers le Royaume des Lions. Les deux premières saisons, réalisées par A-1 Pictures, présentaient une animation impressionnante qui mettait en valeur la quête héroïque d’Élisabeth pour absoudre les Péchés et sauver son royaume.
Cependant, un changement radical s’est produit lorsque Studio Deen a pris en charge la troisième saison, intitulée « La Colère des Dieux ».Les spectateurs ont rapidement constaté une baisse significative de la qualité de l’animation, notamment dans les scènes de combat cruciales. L’affrontement tant attendu entre Escanor et Meliodas est tombé à plat, se manifestant plutôt par une séquence gâchée par des images statiques et une chorégraphie terne.
Ce qui amplifie cette déception est la profondeur du matériau source, qui explore les thèmes de la rédemption, du sacrifice et du lourd tribut des transgressions passées. L’amour éternel de Ban pour Elaine et les difficultés de King à s’acquitter de ses devoirs dans le royaume des fées enrichissent le récit. Meliodas, accablé par l’héritage d’être le descendant du Roi Démon, aspire à briser le cycle de la réincarnation qui a conduit Elizabeth aux tragédies sans fin.
5 Royaume
Une épopée de guerre déraillée par des expériences 3D
Ancrée dans l’histoire tumultueuse de la période des Royaumes combattants en Chine, Kingdom raconte l’aspiration d’un jeune garçon à devenir le plus grand général du monde. La série est riche en stratégies militaires, en trahisons et en discordes philosophiques entre seigneurs de guerre, chacun caractérisé par son sens unique de la justice.
Cependant, lors de sa sortie en 2012, les fans ont été surpris par l’utilisation excessive d’animations CGI rigides. Les scènes de combat essentielles, essentielles à la série, étaient représentées par des marionnettes 3D sans vie, ce qui provoquait des mouvements décousus et un manque d’expression. Cela a nui à l’expérience immersive promise par l’histoire.
Heureusement, les saisons suivantes ont opté pour une animation 2D traditionnelle après avoir changé de studio, ce qui a permis à la série de refléter la vitalité de son matériau source. Initialement, Kingdom a été éclipsé par ses défauts visuels plutôt que salué pour son génie stratégique.
4. Dororo
Un redémarrage plein d’âme qui s’est estompé image par image
Dororo est imprégné de chagrin et suit Hyakkimaru, un garçon privé de membres, de la vue et de la peau, alors qu’il traverse un Japon déchiré par la guerre, terrassant des démons pour récupérer ses parties du corps perdues. Avec Dororo, un orphelin intelligent, la série respire la profondeur émotionnelle – un récit explorant l’identité, la vengeance et le prix profond de la restauration de son humanité.
Produit par MAPPA et Tezuka Productions en 2019, le reboot a présenté des visuels saisissants, notamment dans la représentation des combats de Hyakkimaru malgré ses limitations. Pourtant, au fil de la saison, des défauts d’animation notables ont commencé à apparaître, allant de scènes de combat saccadées à des incohérences dans la conception des personnages et à des cadrages problématiques. Des arrière-plans statiques et des angles de caméra maladroits masquaient souvent le manque de fluidité des mouvements.
C’était particulièrement décourageant compte tenu de l’écriture exceptionnelle de Dororo en matière de développement des personnages, de rythme et de narration morale, tous adaptés du manga original d’Osamu Tezuka.À mesure que la tension autour de l’affrontement entre Hyakkimaru et son frère Daigo s’intensifiait, l’animation s’est affaiblie, ce qui a eu pour effet de réduire considérablement l’impact émotionnel, comme si l’on assistait à un chef-d’œuvre obscurci par un voile.
3 One-Punch Man
De niveau divin à tout juste moyen
Dès sa sortie en 2015, la saison 1 de One-Punch Man a révolutionné le paysage de l’animation, avec des séquences d’action époustouflantes sous la direction du Studio Madhouse et de l’animateur Shingo Natsume. L’affrontement emblématique entre Saitama et Boros a établi une référence en matière d’animation d’action, où chaque coup était percutant et mérité.
Cependant, la transition vers la saison 2 a marqué un déclin.
Avec JC Staff aux commandes, la dynamique a ralenti, tout comme la qualité de l’animation. Les affrontements de Saitama ont été relégués à des pitreries hors champ, enveloppées de fumée et d’effets de vitesse, empêchant toute possibilité de séquences complètes. L’énergie cinétique des combats de Genos s’est transformée en effets basiques et en images fixes maladroites. L’esthétique a souffert, avec des angles de caméra plats et des décors peu inspirés contribuant à la baisse de qualité globale.
De plus, cette deuxième saison a coïncidé avec le début de l’arc de l’Association des Monstres, une partie intense du manga qui a introduit Garou, un antihéros complexe animé par son propre sens de la justice. Au lieu de proposer des confrontations palpitantes, les fans ont dû faire face à des contraintes budgétaires, des problèmes de rythme et une chorégraphie restreinte.
2 Initiale D
Quand la course est devenue une présentation PowerPoint
Initial D est une figure emblématique de l’anime de courses de rue, particulièrement appréciée des passionnés d’automobile et d’Eurobeat. La série allie avec brio l’authenticité de la mécanique automobile, la culture du drift et les courses underground pour créer une expérience visuelle palpitante, centrée sur Takumi Fujiwara, un livreur de tofu apparemment ordinaire dont les prouesses sur les routes du mont Akina lui valent un statut légendaire.
Malgré une narration passionnée, la série souffrait d’une qualité d’animation médiocre, surtout lors des premières saisons. Si l’animation des personnages était acceptable, les séquences de course reposaient largement sur des images de synthèse rudimentaires. Les voitures semblaient souvent lourdes et sans vie, comme si elles glissaient sur une surface plutôt que de courir.
Ce contraste saisissant entre la fluidité de l’animation des personnages en 2D et la maladresse des modèles de voitures en 3D a perturbé l’immersion. Malgré cela, les fans sont restés captivés, captivés par la narration captivante.
1 Berserk
Une histoire légendaire massacrée par CGI
Berserk, de Kentaro Miura, est universellement reconnu comme l’un des meilleurs mangas jamais créés. Il suit Guts, un mercenaire aux prises avec un passé marqué par la trahison et un destin tourmenté. Son récit explore des thèmes profonds comme la vengeance, le traumatisme et l’ambition, mettant en lumière la relation complexe entre Guts et Griffith.
L’adaptation animée de 1997 a été saluée pour sa représentation fidèle de la saga tragique impliquant la Bande du Faucon, malgré des contraintes financières. Cependant, la sortie de la suite en 2016 a suscité l’espoir d’une adaptation plus aboutie, espoir finalement déçu.
Grâce à une approche hybride CGI décousue, l’animation rendait les mouvements maladroits et peu convaincants, avec des distorsions faciales et des séquences d’action lentes. Le tristement célèbre incident du « démon cheval » est devenu une référence culturelle pour de mauvaises raisons, tandis que même les moments plus calmes souffraient de modèles de personnages robotisés et d’une mauvaise synchronisation labiale.
Ce qui a aggravé cette tragédie, c’est l’oubli de la narration nuancée de Miura, débordante de luttes existentielles, de dilemmes moraux et d’émotions brutes. Au lieu de cela, la production est apparue hâtive et indifférente, faisant de la série l’une des plus grandes déceptions de l’histoire de l’adaptation animée.
Laisser un commentaire