Les années 2010 ont souvent été saluées comme une décennie charnière pour l’anime, avec un éventail remarquable de séries qui ont élargi les horizons créatifs et propulsé le médium vers de nouveaux sommets artistiques. Cette époque a donné naissance à une multitude de genres, allant de thrillers psychologiques captivants qui ont tenu le public en haleine à des drames profondément émouvants qui ont saisi la complexité des émotions humaines, aboutissant à des œuvres qui résonnent profondément au-delà du simple divertissement.
Dans cet article, nous rendons hommage à dix séries animées emblématiques des années 2010, chacune d’entre elles ayant obtenu sa place dans le royaume des chefs-d’œuvre de l’anime.
10 Couronne coupable
Le pouvoir qui n’aurait jamais dû être donné
Lancé en 2011, Guilty Crown a immédiatement captivé le public grâce à son animation époustouflante et à sa bande-son inoubliable, créée par ryo (Supercell) en collaboration avec Production IG. L’histoire se déroule dans un Japon dystopique, ravagé par un virus mortel et contrôlé par une force militaire tyrannique connue sous le nom de GHQ. L’histoire est centrée sur Shu Ouma, un lycéen qui acquiert un pouvoir quasi divin appelé le « Génome du Néant », lui permettant d’extraire des armes du cœur des autres.
Au départ, la série propose un scénario séduisant, ponctué de soulèvements clandestins et de trahisons désespérées. Cependant, elle excelle dans le portrait d’un protagoniste aux prises avec le lourd fardeau d’un nouveau pouvoir et d’une ambiguïté morale. La question centrale qu’elle explore est profonde : que se passerait-il si un individu se voyait doté de pouvoirs divins sans la force mentale nécessaire pour les contrôler ?
Malgré un accueil critique mitigé lors de sa diffusion, l’anime a su conquérir un public fidèle grâce à ses visuels époustouflants et à ses scénarios chargés d’émotion. Le magnifique générique d’ouverture « My Dearest » interprété par EGOIST a consolidé sa place dans l’univers des anime. Le doublage anglais, réalisé par FUNimation, capture avec brio la gravité émotionnelle, notamment dans les moments clés de l’histoire.
9 Mob Psycho 100
Le garçon qui ne voulait pas être spécial
Mob Psycho 100, animé par Studio Bones en 2016, peut paraître fantaisiste au premier abord avec ses personnages originaux et son humour débordant, mais il présente avant tout une narration profondément introspective. Créé par ONE, le même visionnaire à l’origine de One Punch Man, il suit Shigeo Kageyama, affectueusement surnommé « Mob », un garçon timide doté de pouvoirs psychiques surpuissants qu’il cherche désespérément à réprimer.
Le véritable désir de Mob n’est pas de devenir un héros célèbre, mais de vivre une vie normale, d’améliorer ses compétences de coureur, d’attirer l’attention de son béguin et de nouer des amitiés sans dépendre de ses pouvoirs. Chaque événement explosif et surnaturel est profondément ancré dans l’émotion, soulignant les terrifiantes possibilités de ses pouvoirs.
Réputée pour son style d’animation unique, parfois proche de l’art d’avant-garde, la deuxième saison de Mob Psycho 100 est saluée pour sa capacité à subvertir les codes conventionnels du shonen, privilégiant l’évolution des personnages plutôt que la simple montée en puissance. Le doublage anglais, assuré par Crunchyroll et Bang Zoom! Entertainment, est remarquable, avec Kyle McCarley offrant une interprétation sobre mais percutante de Mob.
8 Violet Evergarden
Apprendre à ressentir à nouveau
Violet Evergarden, lancée en 2018 et produite par Kyoto Animation, se distingue non seulement par ses visuels époustouflants, mais aussi par sa narration émotionnellement percutante. La série raconte l’histoire de Violet, une ancienne enfant soldat qui se reconvertit en écrivain fantôme – un rôle qui l’oblige à traduire les émotions des autres en lettres sincères, malgré ses difficultés à comprendre ses propres sentiments.
Chaque épisode est une histoire indépendante, explorant les thèmes de la perte, du regret, de l’amour et de la réconciliation, Violet étant à la fois observatrice et participante de ces voyages.À chaque lettre qu’elle écrit, son personnage grandit, marquant le triomphe discret d’une narration sobre.
La série a gagné en émotion après le tragique incendie criminel de Kyoto Animation en 2019, symbolisant l’héritage du studio en matière de narration profonde, d’excellence visuelle et de connexion humaine. Le doublage anglais, géré par Netflix, met en vedette Erika Harlacher dans le rôle de Violet, qui apporte une vulnérabilité nuancée à son personnage.
7.Noragami
Le Dieu que vous avez oublié d’adorer
Lancé en 2014, Noragami a revitalisé le genre de la fantasy urbaine grâce à sa narration rafraîchissante. L’histoire met en scène Yato, un dieu mineur sans sanctuaire, qui aspire à la reconnaissance et à la vénération au milieu d’une vie de petits boulots pour cinq yens. Sa quête croise celle d’Hiyori Iki, une jeune humaine dont l’âme a tendance à s’échapper de son corps, et de Yukine, un esprit troublé qui devient son arme.
Ce qui commence par une pointe d’humour cède rapidement la place à des thèmes plus profonds comme la vie et la mort. L’univers de Noragami explore la nature éphémère de l’existence et les esprits qui y persistent. Studio Bones capture des séquences d’action dynamiques, garantissant que chaque combat est vivant et vibrant, tandis que la série résonne émotionnellement profondément.
La saison 2, intitulée Noragami Aragoto, explore l’histoire complexe de Yato, incarnant une divinité façonnée par le regret plutôt que par l’ambition. Le lien qu’il entretient avec Yukine, un esprit accablé par ses propres traumatismes, apparaît comme l’une des relations mentor-élève les plus complexes de l’anime. Bien que la troisième saison reste à confirmer, Noragami occupe toujours une place particulière dans le cœur des fans, le doublage anglais de FUNimation trouvant un équilibre entre humour et profondeur émotionnelle, notamment grâce à l’interprétation de Yato par Jason Liebrecht.
6 Votre mensonge en avril
Le son des fleurs de cerisier qui tombent
Peu d’anime évoquent des émotions brutes à travers la musique comme Your Lie in April, sorti en 2014. Le récit est centré sur Kousei Arima, un prodige du piano qui arrête de jouer après la mort de sa mère, pour être revitalisé par la violoniste fougueuse Kaori Miyazono, dont l’exubérance devient un catalyseur pour Kousei pour affronter sa douleur.
Chaque performance se transforme en une confession poignante, où le style débridé de Kaori et les difficultés émotionnelles de Kousei résonnent auprès du public. La narration visuelle de ces moments musicaux fait appel à de brillantes techniques d’animation, donnant à chaque note une signification profonde.
Cet anime s’intéresse moins à la romance classique qu’au pouvoir de l’inspiration, rappelant que la bonne personne peut raviver les passions, même fugaces. Le doublage d’Aniplex of America retranscrit avec brio cette profondeur émotionnelle, grâce aux performances captivantes de Max Mittelman et Erica Lindbeck.
5 Fabriqué dans l’abîme
Sifflez dans le trou et espérez que vous reviendrez
Made in Abyss peut paraître fantaisiste avec son esthétique enfantine animée, mais il explore des thèmes plus sombres, loin d’être innocents. Sorti en 2017 et animé par Kinema Citrus, cette adaptation du manga d’Akihito Tsukushi allie merveille et horreur dans un décor unique : un gouffre colossal appelé The Abyss.
L’Abysse est un gouffre mystérieux regorgeant d’artefacts et de créatures mystérieuses, mais qui impose des sanctions à ceux qui osent explorer ses profondeurs. Au cœur de l’histoire se trouve Riko, une orpheline pleine de fougue déterminée à suivre sa mère dans l’Abysse, accompagnée de Reg, un garçon robot avec lequel elle partage un lien unique.
La première saison, composée de 13 épisodes, se conclut sur une note troublante, notamment avec l’épisode 10, sombre et marqué par sa thématique poignante et son poids émotionnel. La musique envoûtante de Kevin Penkin renforce encore l’atmosphère, tandis que le doublage anglais reste accessible aux spectateurs souhaitant découvrir ce récit complexe.
4 Re:Zero − Commencer une vie dans un autre monde
Mourir est facile. Le survivre est la véritable malédiction.
Dans le sillage de l’essor des histoires isekai des années 2010, Re:Zero, sorti en 2016, se distingue par son approche unique du genre. Le protagoniste, Subaru Natsuki, se retrouve transporté dans un monde médiéval-fantastique doté d’une capacité singulière et sombre : « Retour par la Mort », qui lui permet de revivre les événements après sa mort, bien que chaque mort lui inflige un lourd tribut émotionnel et psychologique.
Ce qui commence comme une aventure isekai conventionnelle se transforme en un récit psychologique poignant, tandis que Subaru est aux prises avec la culpabilité, le désespoir et le traumatisme. Son voyage révèle des couches plus profondes de la souffrance humaine, explorant comment chaque tentative de changer une issue désastreuse entraîne souvent des répercussions plus graves.
3.Jeu Tomodachi
Ne faites confiance à personne
Bien que Tomodachi Game soit sorti en avril 2022 et soit passé inaperçu au départ, il a rapidement conquis un public fidèle, captivé par ses rebondissements psychologiques magistraux et ses thèmes complexes de trahison. Adapté d’un manga de 2013, l’anime suit Yuuichi Katagiri et ses amis dans des compétitions amicales périlleuses destinées à régler une dette mystérieuse.
Explorant la fragilité de la confiance entre amis, la série dévoile avec finesse la véritable nature des personnages face à la manipulation et aux dilemmes moraux. Contrairement aux récits habituels, Yuuichi apparaît comme un personnage complexe, prêt à s’adonner à des tromperies rivalisant avec celles des organisateurs du jeu – un choix qui oblige les spectateurs à réévaluer leur allégeance.
Bien que l’animation d’Okuruto Noboru soit plus sobre, elle excelle dans la transmission des expressions faciales qui révèlent de subtils changements dans la dynamique des personnages. Utilisant efficacement l’éclairage pour traduire les motivations changeantes, Tomodachi Game représente une entrée remarquable dans la catégorie des thrillers psychologiques, s’imposant comme l’un des joyaux cachés de la décennie.
2 L’Attaque des Titans
Au-delà des murs se trouve la liberté
Lors de son apparition sur le marché en 2013, L’Attaque des Titans a captivé le public par sa narration captivante, sa violence implacable et son intrigue imprégnée du mystère et de la peur entourant l’existence de l’humanité dans un monde dominé par des Titans monstrueux. Initialement une série de survival horror, elle a évolué vers une exploration de thèmes politiques et de complexités éthiques.
Au cœur du récit se trouve Eren Yeager, témoin de la perte tragique de sa mère aux mains d’un Titan, déclenchant une quête de vengeance qui se transforme en une histoire tragique. Accompagné de Mikasa et d’Armin, il s’engage dans le régiment d’éclaireurs et défie les monstres qui menacent la survie de l’humanité.
Au fil des saisons, L’Attaque des Titans s’est continuellement redéfinie, révélant des mystères plus profonds et des personnages moralement ambigus. La qualité de l’animation, notamment lors des trois premières saisons réalisées par WIT Studio, était révolutionnaire, MAPPA proposant une approche plus cinématographique dans les derniers chapitres. La série a établi un univers complexe abordant la liberté, les traumatismes et le nationalisme, des thèmes qui résonnent encore aujourd’hui avec force. Elle a culminé en 2023, avec un final qui a suscité des débats passionnés au sein de la communauté des anime.
1 Steins;Gate
L’effet papillon, mais pour le rendre déchirant
Sorti en 2011 et inspiré du roman visuel acclamé, Steins;Gate est souvent salué comme l’une des meilleures productions d’animation de science-fiction. Captivant, il ne mise pas sur l’action explosive ni les conflits dramatiques ; il tisse plutôt une narration complexe basée sur les mécanismes du voyage dans le temps, une narration émotionnelle et un suspense qui s’intensifie progressivement.
L’intrigue se déroule à Akihabara et met en scène Rintarou Okabe, un savant fou autoproclamé qui, avec son groupe d’amis excentriques, découvre une méthode permettant d’envoyer des messages vers le passé via un micro-ondes piraté et un téléphone portable. Ce qui commence comme une expérimentation innocente se transforme rapidement en une série de conséquences catastrophiques dans des chronologies alternatives.
La première moitié s’inscrit dans une comédie légère teintée d’éléments de science-fiction, présentant des personnages emblématiques comme Mayuri, Kurisu et Daru. Cependant, à mesure que la chronologie se fracture, Steins;Gate change de genre, s’enfonçant dans des territoires sombres où chaque action a des conséquences imprévues. Le récit équilibre habilement principes scientifiques et enjeux émotionnels profonds, soulignant le coût personnel de la manipulation du temps.
De plus, Steins;Gate 0, sorti en 2018, explore une chronologie alternative plus sombre où Okabe a du mal à faire face, ajoutant ainsi plus de profondeur à l’histoire originale.
Laisser un commentaire